Género, diversidad e identidades en el arte urbano y la cultura visual de la calle

El espacio público es, a la vez, escenario, soporte y campo de disputa. En él se negocia quién puede aparecer, quién puede hablar, qué cuerpos son visibles y qué relatos se consideran legítimos. El arte urbano (muralismo, graffiti, stencil, paste-up, sticker art, intervenciones efímeras y acciones performativas) constituye una de las formas más directas de cultura visual contemporánea para problematizar esas tensiones: produce imágenes accesibles, situadas y con capacidad de activar conversación social sin necesidad de mediaciones institucionales.

En los últimos años, los debates sobre género, diversidad e identidades han ganado centralidad en la esfera pública (medios, educación, políticas culturales), y el arte urbano ha funcionado como laboratorio de lenguajes y repertorios visuales: desde iconografías feministas y queer hasta narrativas sobre migración, racialización, discapacidad, edadismo o precariedad. Sin embargo, ese potencial convive con fricciones estructurales: invisibilización de autoras, desigualdad de acceso a muros y festivales, sexualización o deslegitimación del trabajo de mujeres y disidencias, borrados selectivos por controversias morales/políticas, apropiaciones comerciales de estéticas “diversas” y tensiones entre activismo y mercado.

Este monográfico propone abordar, de forma comparada y con metodologías diversas, cómo el arte urbano y la cultura visual callejera representan, discuten y reconfiguran identidades. No se trata solo de “temas” (murales sobre igualdad), sino de condiciones de producción (quién pinta, con qué recursos, en qué circuitos), formas visuales (símbolos, estilos, estrategias retóricas), modos de circulación (redes sociales, prensa, turismo cultural) y efectos sociales (conflicto, pedagogía pública, construcción de pertenencia barrial).

El monográfico busca elevar el debate más allá de la polarización: incluirá trabajos empíricos sólidos (estudios de caso urbanos, entrevistas, análisis visual sistemático, cartografías, metodologías mixtas), así como aportaciones teóricas (interseccionalidad, estudios queer, teorías del espacio público, postcolonialidad/decolonialidad, sociología del arte). El objetivo final es ofrecer un mapa riguroso de cómo la calle produce cultura visual sobre identidades y cómo esa cultura visual, a su vez, reordena vínculos comunitarios, memoria colectiva y agendas públicas.

Ejes:

1) (In)visibilidad y desigualdad de acceso: quién pinta, quién decide, quién firma

Este eje se centra en las estructuras que condicionan la presencia de mujeres y disidencias en la escena del arte urbano. No basta con contar “obras con temática de género”: es clave analizar quién accede a muros relevantes, quién es invitado a festivales, cómo operan los gatekeepers (comisariados, ayuntamientos, marcas, colectivos), y qué barreras materiales y simbólicas persisten (seguridad en la calle, redes de contactos, tiempo, financiación, legitimidad artística).

2) Iconografías feministas y queer: símbolos, genealogías y retóricas visuales

Aquí el foco es la gramática visual: motivos recurrentes, colores, tipografías, composición, consignas, humor, metáforas, cuerpos representados, y cómo esos elementos dialogan con tradiciones artísticas y con repertorios de protesta. Importa identificar continuidades (símbolos históricos) y novedades (memes, híbridos pop, estética digital trasladada al muro).

3) Interseccionalidad en la calle: raza, migración, clase, territorio y pertenencia

Este eje aborda cómo género y sexualidad se entrecruzan con racialización, migración, clase social, religión, lengua, edad, discapacidad y otras dimensiones. La calle es un lugar donde se negocian pertenencias (“quién es del barrio”), y el arte urbano puede reforzar o cuestionar fronteras simbólicas.

4) Censura, borrado y controversia: moral pública, conflicto y políticas del espacio

El arte urbano es vulnerable a la intervención: borrados municipales, vandalización, presión vecinal, instrumentalización partidista o “limpiezas” selectivas. En cuestiones de género y diversidad esto se intensifica: sexualidad, cuerpos no normativos o mensajes políticos activan controversias. Este eje estudia la vida social del conflicto: cómo se argumenta la retirada, quién moviliza apoyo/rechazo, qué papel juegan medios y redes, y qué efectos tiene en libertad de expresión y convivencia.

5) Cuerpos, afectos y cuidados: violencia de género, memoria y reparación simbólica

Más allá de la denuncia, el arte urbano produce espacios de duelo, memoria y reparación: murales conmemorativos, homenajes a víctimas, campañas de prevención, y narrativas sobre cuidados. Este eje explora cómo la imagen pública participa en procesos emocionales colectivos y en pedagogías sociales.


6) Economía, mercado y “branding” de la diversidad: entre activismo y cooptación

La estética feminista/queer y los discursos de diversidad pueden ser apropiados por marcas, festivales o estrategias de ciudad. Este eje examina la tensión entre autenticidad, instrumentalización y sostenibilidad: cuando la diversidad se convierte en etiqueta, ¿qué se gana y qué se pierde? ¿quién se beneficia económicamente?

7) Mediación digital y circulación: del muro al archivo y al debate en redes

Aunque el monográfico está centrado en la calle, hoy la obra vive también en su documentación: fotografía, reels, prensa local, mapas, hashtags. Este eje estudia cómo la circulación digital modifica la lectura de identidades: fragmenta el contexto barrial, amplifica polémicas o activa solidaridades translocales.


Cronograma orientativo

Jul 2026: cierre recepción

Diciembre 2026: publicación

Coordinadoras:
Dra. Belén Calderón Roca, Universidad de Málaga.
Dra. María Paula Gago, Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas (Argentina)
Dra. Cristina Paredes Serrano, Universidad Complutense de Mdrid.